1917

“Inquadro” meglio questo film se illustro alcuni pregressi sulla Prima Guerra Mondiale e il piano sequenza su cui mi sono trovato a plasmarmi…

per esempio:

1. SULLA PRIMA GUERRA MONDIALE
   • più che tanti libri “storici”, la tragedia della Prima Guerra Mondiale io l’ho vissuta più che altro con gli War Poets britannici, soprattutto con Siegfried Sassoon e Wilfred Owen…
     • Sulle poesie di Owen si basa il War Requiem di Britten (1962), per me indispensabile…
     • Sul rapporto tra Owen e Sassoon lessi Regeneration di Pat Barker (1991), nella traduzione di Norman Gobetti per Il Melangolo di Genova (1997)
   • ma è ovvio che su di me hanno avuto molto importanza i film: sia Paths of Glory di Kubrick (1957), naturalmente, sia Torneranno i prati di Ermanno Olmi (2014)
2. SUL PIANO SEQUENZA
   • Io sopporto meno i piani sequenza teatrali, anche se so bene che il piano sequenza è nato come “teatrale” con Luchino Visconti e La terra trema nel 1948…
     Visconti aveva attori non professionisti e un’idea di cinema come palcoscenico (lo diceva sempre anche il suo costumista Piero Tosi: per Visconti il set era il teatro), perciò allestì l’azione teatrale e la guardò con una ripresa continua in modo da fare un buona la prima agevolante i figuranti…
     Questo sistema ha avuto le sue ramificazioni “degeneri” e le sue ramificazioni “vivide”
     • derivazione degenere è il long take di puro servizio e di “risparmio” di tempo e visione presente in molte pubblicità e fiction… le sciocchezze televisive di Renato De Maria (Distretto di polizia, 2000) o la ciofecata Grandi domani di Vincenzo Terracciano (2005) erano tutte fatte con long takes di servizio all’attore poco accorto (Grandi domani era popolato da poveri dilettanti allo sbaraglio scelti solo per gli addominali scolpiti) con la logica del buona la prima, e questo sistema “poveraccista” si è usato, da allora, in tutte le fiction Mediaset di shooters come Alexis Sweet, Monica Vullo o Eros Puglielli…
       • derivazione degenere è il long take di illustrazione del niente che ci ammorba oggi: i long takes di Iñárritu e di Chazelle, che, come i precedenti, si possono considerare one take di salvadanaio più che long takes…
     • derivazione “vivida” è il long take di Kenneth Branagh…
       Sì, anch’esso, di idea teatrale, ma percorrente un palcoscenico molto più vasto di quello concepito da Visconti, un palcoscenico molto vicino al cinema, perché Branagh, nella sua funzione scopica di regista inquadra appunto come regista e non come spettatore: il suo è lo sguardo di chi agisce (=dirige) e non di chi sta seduto a immergersi nelle immagini in modo passivo…
       Branagh, col suo piano sequenza, non ci fa mai vedere quel che vogliamo, ma ci stimola, ci gigantizza le possibilità del vedere, con contesti e sfumature che si insinuano nella scena stessa: la sequenza in long take, per Branagh, ha un profilmico teatrale che trascende in cinematografico proprio in quanto inquadrato in long take da un regista attivo, che trasforma quel profilmico teatrale proprio mentre lo inquadra, e lo trasforma con un tipo di visione enhanced, allargando spettro di visione e possibilità semantica di ciò che è inquadrato…
       Durante il Strike Up, Pipers di Much Ado About Nothing (1993), il palcoscenico di Branagh è sia coreografia sia personaggio, sia movimento sia sguardo, che si allarga, a mille, prima a includere l’intero profilmico (la villa) poi il Chianti, dicendo che Shakespeare e il Teatro sono la geografia stessa, la terra stessa, la vita stessa…
       Un uso del long take che va ben al di là del semplice virtuosismo di La La Land, di Birdman e Revenant, la cui pretese di immersività rimangono solo preteste…
   • Io sopporto di più i piani sequenza totalmente filmici, designanti tensioni non riferibili in altri modi… i piani sequenza di Fassbinder, per esempio, o di Dreyer, o il meraviglioso funerale di Soy Cuba, per non parlare, naturalmente, dei piani sequenza di Professione: reporter (quello famoso finale e quello, forse ancor più “importante” [in quanto travalica spazio e tempo], all’inizio) o quelli di Brian De Palma (Snake Eyes e The Bonfire of Vanities) e Cuarón (Children of Men e Gravity, prima che rimbecillisse con Roma): roba in cui la macchina non è che guarda un palcoscenico profilmico su cui avvengono più o meno azioni, è la macchina stessa che con la sua presenza determina, crea o addirittura nasconde l’azione… [sulla questione vedi anche le considerazioni sulla Giornata particolare]

Naturalmente, si sa, qualsiasi long take davvero lungo è finto: un po’ perché, ai tempi della pellicola un rullo conteneva (più o meno) non più di 8 minuti di pellicola, un po’ perché esiste la termodinamica…
Oggi, certo, col digitale è più facile fare certe cose…
Quando Hitchcock fece un film intero in long take (Rope, nel 1948) dovette penare molto…
Quando Aleksándr Sokúrov fece altrettanto, 54 anni dopo (Rússkij Kovčég, 2002), le cose furono sì complesse, ma ben diverse a livello di gestione della ripresa…

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Date queste premesse io dico che 1917 tratta abbastanza bene la poetica antibellica, ma cade in diversi cliché, tra cui il ritrovamento della solita vergine madre, biondissima e bellissima, tra le macerie nemiche, pronta ad aiutare il protagonista (quando in Cold Mountain, il fuggiasco Jude Law trova la vergine madre durante la Guerra di Secessione americana, quella vergine madre è addirittura Natalie Portman: davvero verosimile)…
E per dare spazio a questi cliché e alla pura azione magari si dimentica certi contesti più riflessivi, che si ritrovano meglio in Kubrick, in Olmi e in Owen…

È carina la rivelazione finale di Erlebnis familiare del protagonista, che rende 1917 una sorta di omaggio al passato del regista… E certo, la missione di 1917 è assai più stringente di quella “peregrinante” di Saving Private Ryan…

però, un po’ di già visto lo si avverte, senza che sia bilanciato con una adeguata presa di coscienza nichilista alla Strange Meeting, per esempio…

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Dal punto di vista filmico, certo, 1917 è un film che desta meraviglia…
Mendes, Deakins, Gassner, Thomas Newman e Lee Smith hanno ottenuto un long take quasi alla Branagh, pieno di tensione, di forza diegetica e di suggestione visiva mastodontica: il villaggio in fiamme, le rovine crepuscolari, le trincee orripilanti, la distruzione annullante come i prati in fiore e i boschi odorosi hanno tutti un impatto oculare splendido…

Certo, anche in questa bellezza alcuni cliché ci sono: la caduta nel fiume feliciona, per esempio, nonostante le cascate, e le strombazzate di ottoni innodistiche musicali a commentare le corse, pompanti ma molto a buon mercato…

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Per cui, che dire:
un film bello, meglio di roba come Dunkirk (per il bellicismo, in Nolan molto tronfio) o Birdman (che ha un long take molto più idiota di questo di 1917), e nutriente per il pubblico salviniano e guerresco odierno…
…ma se rapportato ad altri paradigmi sulla Prima Guerra Mondiale, o ad altri paradigmi più “alti” di long take (Fassbinder, Dreyer ecc.), sì, risulta comunque molto bello, ma molto “rivisto”…

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Parlano poco, ma il doppiaggio di Rodolfo Bianchi, seppur ci regali voci di lusso (ottime le caratterizzazioni di Simone D’Andrea per Scott, Luca Biagini per Firth e Niseem Onorato per Cumberbatch), soffre anch’esso di certi cliché (un Prando un po’ “tromboneggiante” su Strong) e di molto annullamento dei diversi dialetti: ma questo si sa che è così…